MARATHON ARTISTS (ENGLAND)

Alors que la scène techno-house n’en finit pas de puiser dans son héritage 90’s, que les rythmiques jungle s’invitent sur les productions dubstep et que le rap de Los Angeles se souvient qu’il a connu son heure de gloire avec le G-funk, on pourra s’étonner que peu de groupes aient tenté de remettre le baggy sound au goût du jour. Ce courant musical, apparu au tournant des années 90 ? Manchester, incarne l’un des moments les plus enthousiasmants de la décennie, quand le rock décida de regarder ce qui se passait du côté des raves, accouchant d’un son psychédélique et groovy magnifié par les Stone Roses, les Happy Mondays ou Primal Scream (bien que ces derniers ne soient pas de Manchester). Un héritage dont Jagwar Ma semble aujourd’hui le principal bénéficiaire. Au moment de la sortie de son réussi premier album, Howlin, en 2013, le groupe australien s’en était pourtant défendu, arguant qu’il était réducteur de les limiter à l’influence Madchester. C’était compréhensible – personne n’aime être cantonné à une case –, et sans doute vrai – on imagine bien qu’ils n’ont pas écouté que ça. Récemment, néanmoins, dans une interview pour le site Stereogum, Gabriel Winterfield, chanteur et guitariste du groupe, a admis qu’on trouvait effectivement beaucoup de références à cette scène sur Howlin, avant d’ajouter que le nouvel album serait différent, son inspiration principale venant cette fois de la soul. Une distinction pas aussi évidente à l’écoute. Si l’on note bien un peu plus de groove et de basses sur Every Now & Then, il est peu probable que ce second album destabilise les fans de la première heure. Démarrant avec un morceau très Stone Roses, censé selon le groupe faire la jonction avec Howlin (“Say What You Feel”), le reste rappelle finalement les deux meilleurs disques de Primal Scream (Screamadelica et Vanishing Point), pour ses inclinaisons dub et surtout cette faculté à superposer une multitude de styles et d’instruments avec panache. Les envolées pop (“Ordinary”) répondent aux cuivres vaporeux (“Loose Ends”), les textures planantes (“Don’t Make It Right”) à des riffs de guitare lourds comme des drops dubstep (“Batter Up”), et on ne s’ennuie pas une seconde tout au long de ce douze titres ambitieux, une nouvelle fois mixé par Ewan Pearson, qu’il serait, malgré ses penchants nostalgiques, injuste de décrire comme une simple madeleine de Proust à destination des quadras. (Gérôme Darmendrail / TSUGI)

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“It’s self-titled.”  The three-word answer is all that Jen Cloher requires to describe her recently completed fourth album, a letter in triplicate addressed to themes of Love, Music and Australia (the beautiful and the terrible). Jen likes best to tell the truth.
Jen Cloher is the culmination of a period of artistic and personal growth in which the artist took her rightful place as the punk-rock figurehead of Melbourne’s famous DIY music scene. The NIDA Graduate is an outspoken advocate for artist rights and the co-founder of the incredible Milk! Records label (Courtney Barnett, Loose Tooth, Fraser A. Gorman, Jade Imagine, East Brunswick All Girls Choir). Cloher’s fascinating life-story and compelling political voice is enough justification to pay her attention, but it’s the music that will have you returning again and again.
Since 2014, Jen’s regular musical contributions to Milk! Record’s discography of 7″ releases and compilations have been increasingly biting, witty and poetic. It’s fair to say that she was in a purple patch when she put the finishing touches to her stunning new record with engineer Greg Walker amidst the rolling greenery of Jumbunna in Victoria’s Gippsland. The band that first played together four years ago on Cloher’s acclaimed third album, the Australian Music Prize nominated In Blood Memory, are bold and assured, the songs split by Courtney Barnett’s extraordinary lead-guitar and anchored by the rhythm section of Bones Sloane and Jen Sholakis. The record was completed in March 2017 with Tom Schick at Jeff Tweedy’s famous ‘Loft’ Studios in the depths of Chicago’s winter.

More infos : https://www.jencloher.com

Within the songs of Laetitia Tamko there are infinite worlds: emotional spaces that grow wider with time, songs within songs that reveal themselves on each listen. Tamko is a multi-instrumentalist and a producer, recording since 2014 as Vagabon. On her forthcoming debut, Infinite Worlds, she hones her singular voice and vision with an unprecedented clarity.
“I feel so small / my feet can barely touch the floor / on the bus where everybody is tall,” she sings softly and with caution, as she begin the album with “The Embers.” Driving punk drums pry her song open, exploding it into an anthem that pushes back at entitled people who make others feel tiny. “I’m just a small fish / and you’re a shark that hates everything,” she sings, repeating that line and over and over with strength and power. “I’ve been hiding in the smallest space / I am dying to go / this is not my home,” Tamko starts carefully on “Fear & Force,” before her finger-picked guitar playing gives way to slow-building synth claps and ethereal harmonies. “Mal á L’aise” is one of the album’s focal points, a five-minute meditation of ambient dream pop, featuring Tamko’s usage of samples; some are samples from a Steve Sobs song on which Tamko was featured, enticing the one writing collaboration of the album. “Mal á L’aise” means “discomfort” in French, Tamko’s first language, and throughout the song she works through different meanings of that word: social, cultural, physical.
Infinite Worlds builds upon Tamko’s stripped-down demos that have been circulating online and throughout the independent music community for the past two years. Her Persian Garden cassette, released in 2014 via Miscreant Records, was a lo-fi collection where she embraced a first-thought best-thought approach, making songs that began with just her voice and guitar. But here, Tamko is a main performer of synths, keyboard, guitars, and drums, at times enlisting the work of session studio musicians. This had Tamko channeling the thoughtfulness of her lyricism into her arrangement and production as well. The result is a wide-ranging eight-song collection that’s pleasantly unclassifiable: hypnotic electronic collages, acoustic ballads, and bursts of bright punk sit sideby- side cohesively, all tied together by Tamko’s soaring voice.
“I write a lot about places, archiving my memories in spaces that I used to be in, spaces I am currently in, or spaces I will eventually be in” she says. “Archiving different moments that I’ve been thinking about, have gone through. It’s not always autobiographical though. It could be about different situations I’ve seen people I love in. Or people I don’t know in. I think that comes a lot from being in different environments. Like growing up in Cameroon. There, we are happy with very little. Then moving here and seeing how the culture differs from where i’m from.”

More infos : https://vagabonvagabon.com/
HAZEL ENGLISH

Pour certains, la dream pop est un peu le pipi de chat de l’indie rock, une musique gentillette et apathique, voire neurasthénique, qui peine à maintenir éveillé. Ceux-là devront se tenir éloignés de l’Australienne installée à San Francisco Hazel English et de son songwriting particulièrement candide, renforcé par un discours un brin naïf : «Savoir que j’ai créé quelque chose qui a eu un effet sur la vie de quelqu’un d’autre, m’a soufflée. C’est vraiment chouette d’entendre quelqu’un dire : « Ta chanson m’a aidé cette semaine ».» Pourtant, mièvreries mises de côté, sa musique parvient à trouver l’équilibre étrange qui fait de sa dream-pop une musique hypnotique, entre efficacité mélodique et détachement cool qui projette l’esprit dans un autre espace-temps cotonneux où il se laisse bercer, comme rasséréné.
Vendu comme un premier album, mais regroupant en réalité son premier EP paru en 2016 et six titres inédits, Just Give in / Never Going Home est la synthèse idéale de la musique d’Hazel. Entre les deux groupes de chansons, composées avec l’aide du musicien Day Wave, pas de différence majeure.
On retrouve la même ambiance délicate, les mêmes compositions alanguies caressées par un soleil assez puissant pour plonger dans une torpeur enveloppante. Une douce sensation qui contraste avec une certaine noirceur adolescente des textes, annoncée par des titres comme Love Is Dead ou Never Going Home. Bref, voilà un disque à la force tranquille qui accompagnera à merveille les sessions hamac. (Francois Blanc / Liberation)

More infos : http://hazelenglish.com/
POND